Министерство культуры Краснодарского края

ГБУК ККДБ им. братьев Игнатовых



mk

 

Дерево без фона

Государственное бюджетное учреждение культуры «Краснодарская краевая детская библиотека имени братьев Игнатовых»

ПОНЕДЕЛЬНИК - ЧЕТВЕРГ, 10:00-18:00

ВОСКРЕСЕНЬЕ 10:00-18:00

ПЯТНИЦА 10:00-17:00

Каждый последний ВТОРНИК месяца - санитарный день

geo

350063, г. Краснодар, ул. Красная, 26/1

geo

 +7 (861) 268-69-97

geo

 kubankdb@mail.kuban.ru
Задать вопрос
Продлить книгу
Решаем вместе
Хочется, чтобы библиотека стала лучше?

Искусство в алфавите

Искусство – это идеи, рождённые человеческим воображением, восприятием окружающего мира и воплощённые в различных формах при помощи различных технологий. Это определение можно отнести к самым разным объектам – от доисторических пещерных рисунков до груды вещей, выставленных в художественном музее. Как и любая сфера, искусство имеет свои термины, понятия и определения. Некоторые из них всем знакомы, некоторые очень необычны, а есть и совсем непонятные. Рубрика "Искусство в алфавите" будет раз в месяц знакомить вас с интересными терминами и понятиями в мире искусства, а также советовать книги, относящиеся к той или иной теме.

aqua Аквафорте – это не только фирма по изготовлению бассейнов и средство от насморка. Так раньше назывался офорт (происходит от eau forte – сильная, или крепкая, вода – в те времена так именовали азотную кислоту). Художники, которые создавали гравюры на металле путём травления металлической поверхности кислотами, назывались аквафортистами, а соответственно техника, в которой они исполняли свои шедевры, называлась аквафортистика.

В далёком XIX веке, а если точнее, то с 1871 по 1874 год, в России существовало "Общество русских аквафортистов", в которое входили известные художники Иван Шишкин, Николай Ге, Иван Крамской и другие. С историей русской аквафортистики можно познакомиться, прочитав книгу:

Голлербах Э. История гравюры и литографии в России / Э. Голлербах. –
Москва : Центрполиграф, 2003. – 240 с.

arnuvoarnuvo2

Ар нуво – такое красивое слово, а что же оно означает? Ар нуво, арт-нуво, югендстиль, модерн – это всё названия одного и того же направления в искусстве, наиболее распространённого в конце XIX – начале XX века. Отличительными особенностями стиля является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, "природных" линий, интерес к новым технологиям, расцвет прикладного искусства. Часто художники брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. Преобладающими цветами являлись приглушённые оттенки – цвет увядшей розы, жемчужно-серые, серо-голубые, пыльно-сиреневые тона. Яркими представителями являются Антонио Гауди, Альфонс Муха, Густав Климт, Чарльз Макинтош.

Более подробно познакомиться с этим направлением можно с помощью книг: 

Графтон К. Б. Стильар-нуво. Линии & силуэты : источник вдохновения для творческих личностей / Кэрол Беланже Графтон. – Москва : Колибри ; Азбука-Аттикус, 2016. – 144 с. : ил. 

Флорковская А. Модерн / А. Флорковская. – Москва : Росмэн, 2002. – 103 с. : ил. – (История искусства для детей).

balustrada

Возводя роскошные загородные дома или дачи, современные хозяева стараются украсить их удобными и красивыми лестницами, конструкция которых состоит из нескольких элементов, одни из них – это балюстрады. Так называют ряд фигурных столбов, сверху которых расположены перила. Они не только выполняют ограждающую функцию, но и являются великолепным украшением балконов, лестниц и террас. Такие архитектурные решения стали популярными ещё в эпоху Возрождения. Именно тогда наиболее модным считался декор в греческом стиле. На тот момент балюстрада для лестницы отличалась простотой и строгостью, но сейчас они удивительно разнообразны по форме и высоте и могут быть самостоятельными элементами дизайна в интерьере или фасадном декоре. Применение балюстрад подчёркивает основательность здания, вносит оживление в архитектуру ансамблей и домов, открывая возможности для создания выразительных художественных эффектов. 

Познакомиться с историей и посмотреть примеры балюстрад в разные эпохи можно в книге:

Хопкинс О. Визуальный словарь архитектуры / О. Хопкинс. – Санкт-Петербург : Питер, 2017. – 167 с. : ил. 

belkanto2

belkanto

У большинства любителей оперного искусства слово "бельканто" ассоциируется с итальянской школой вокала, но этот термин имеет несколько значений. Он состоит из двух итальянских слов bel и canto, что в переводе означает прекрасное пение. Этот блестящий лёгкий и изящный стиль пения, где одна нота мягко перетекает в другую, был характерен для итальянского вокального искусства в XVII–XIX веках. Второе значение этого термина ассоциируется с первыми итальянскими операми, которые появились в середине XVIвека, ведь новые творения требовали более выразительного стиля пения. Таким образом, словом "бельканто" принято называть не только манеру исполнения, но и определённый жанр оперы, для которого характерна драматичность, требующая от певцов умения передавать многочисленные оттенки человеческих чувств.

Выдающимися представителями бельканто в разные периоды были: И. Кольбран, Э. Карузо, Ф. Шаляпин, Л. Собинов, М. Каллас, И. Архипова и многие другие, чьи мемуары и биографии можно найти в отделе литературы и материалов по искусству. А ознакомиться с периодом расцвета бельканто и прочитать об артистах краткую информацию можно в книгах:

Опера : иллюстрированная энциклопедия / главный редактор Стэнли Сэди ; предисловие Филипа Лэнгриджа. – Москва : БММ, 2006. – 320 с. : ил.

Сто великих вокалистов / автор-составитель Д. К. Самин. – Москва : Вече, 2004. – 480 с. – (100 великих).

vedutaveduta2

Ведута (итал. veduta – "увиденная", лат. videre – "видеть") – жанр живописи, представляющий собой картину, рисунок или гравюру с топографически точным, вплоть до мельчайших деталей, городским пейзажем, изображённым в виде панорамы с соблюдением масштаба и пропорций.  

Выдающимся мастером этого жанра был признан Каналетто (Джованни Антонио Каналь, 1697–1768), глава венецианской школы ведутистов. Художник тщательно воспроизводил виды города, работал под открытым небом, делал зарисовки карандашом с натуры, помечая на них соответствующие цвета. 

Влияния Каналетто не избежал тогда ни один пейзажист. Даже в России родоначальник архитектурной ведуты Фёдор Алексеев выполнял живописные виды Петербурга и Москвы, подражая венецианскому художнику. Последователями Алексеева были Сильвестр Щедрин, Алексей Зубов и Михаил Махаев. Созданные ими гравюры, рисунки, картины являются ценнейшими документами истории архитектуры Петербурга, Москвы и других городов. 

Познакомиться с художественными особенностями, историей развития жанра в России и работами известных ведутистов можно в книгах: 

Лебедянский М. Алексей Зубов : первый видописец Санкт-Петербурга / Михаил Лебедянский. – Москва : Белый город, 2003. – 176 с. : ил. 

Пейзаж в русской живописи : от классицизма до символизма / автор вступительной статьи Н. К. Маркова. – Москва : Арт-Родник, 1999. – 192 с. : ил.

Vimmelbuch

Vimmelbuch2

Виммельбух (нем. Wimmelbuch – "книжка с мельтешащими картинками") – это книги без текста, но с яркими и детализированными иллюстрациями: персонажи, предметы, сюжетные линии – всё это объединено в единую смысловую композицию.

Впервые такие книги появились в Германии, а сам жанр "виммельбух", адаптированный современными художниками для детей, берёт своё начало в творчестве таких знаменитых нидерландских мастеров, как Питер Брейгель Старший и Иероним Босх, которых считают прародителями "веселых картинок". А всё потому, что на своих полотнах они изображали огромное количество бытовых сцен, героев и деталей, и каждую часть полотна можно было рассматривать отдельно, придумывая истории. Познакомиться с творчеством этих художников можно благодаря книге:

Морозова О. Босх, Брейгель, Дюрер : гении Северного Возрождения / О. Морозова, Т. Котельникова, А. Королева. – Москва, 2013. – 302 с. : ил. 

Развороты виммельбухов могут содержать множество сюжетных линий, деталей и персонажей, по ним можно сочинять невероятное количество историй, что помогает в развитии речи, логики, фантазии и внимания ребёнка. 

В фонде нашей библиотеки вы найдёте множество таких изданий, знакомящих с миром животных, различными профессиями, рассказывающими о Деде Морозе, театре и многом другом: 

Антонова К. В театре : экскурсия за кулисы / К. Антонова, худож. Е. Бауман. – Ростов-на-Дону, 2017. – [12] с. : ил. 

Большая книга животных : найди и сосчитай / под редакцикй Джонни Маркса; иллюстрации Даниэля Санчеза Лаймона. – Санкт-Петербург, 2018. – [48] с. : ил. 

Монфре Доротея де. Собакобум : самая правдивая энциклопедия собачьей жизни / Доротея де Монфре. – Москва, 2018. – 61 с. : ил. 

Дворнякова О. Один день из жизни Деда Мороза / О. Дворнякова, художник О. Громова. – [Москва], 2016. – [14] с. : ил.

gliptika1

gliptika2

Глиптика (от греческого γλυπτιϰὴ τέχνη – искусство резьбы) – искусство резьбы на драгоценных и полудрагоценных камнях, вид декоративно-прикладного искусства. Среди резных камней (гемм) различают камни с врезанными изображениями – это инталии и выпуклыми – это камеи. Для резьбы использовались мягкие (стеатит, гематит, серпентин) или твёрдые (сердолик, халцедон, хрусталь) породы камней. Изделия изготовлялись вручную либо с помощью станков с вращающимися резцами. Производительность такой работы можно сравнить с производительностью капли, которая "точит камень", поэтому на создание небольшого украшения мастера тратили многие месяцы. Один из лучших образцов античной глиптики – "Камея Гонзага", получившая своё название по имени владельца. Считают, что эта изящная работа – парный портрет фараонов Египта Птолемея Филадельфа и Арсинои II. Изображение хранится в Эрмитаже и является, по мнению специалистов, самой знаменитой камеей музея. 

Узнать больше можно в книгах:

Шаповалова О. А. Расскажи мне об Эрмитаже / О. А. Шаповалова. – Москва : РИПОЛ КЛАССИК, 2003. – 192 с. : ил. – (Расскажи мне...). 

Дмитриева Н. А. Античное искусство : очерки / Н. А. Дмитриева, Л. И Акимова. – Москва : Детская литература, 1988. – 256 с. : ил. – (Библиотечная серия).

glissando1

glissando2

Глиссандо  (итал. glissando, от франц. glisser – скользить) – особый исполнительский приём при игре на музыкальных инструментах и пении, когда музыкант легко скользит пальцем по струнам или клавишам музыкального инструмента. При игре на фортепиано глиссандо осуществляется при скольжении по белым клавишам инструмента. Этот звуковой эффект великолепно способны производить тромбоны. Исполнитель быстро и плавно передвигает кулису из одного положения в другое, продолжая вдувать в мундштук воздух. В результате получается любопытный эффект. Создаётся ощущение, будто инструмент улыбается или хмурится – в зависимости от того, в какую сторону происходит движение – от низкого тона к высокому или наоборот. Глиссандо используется также в пении. 

Хотите узнать больше? Читайте в книгах.

Шаповалова О. А. Музыкальный энциклопедический словарь /
О. А. Шаповалова. – Москва : РИПОЛ КЛАССИК, 2003. – 704 с. – (Энциклопедические словари). 

Левин Р. Музыка. Детская энциклопедия. История и волшебство классического оркестра / Р. Левин ; иллюстрации М. Хамильтон ; перевод с англ. П. Киселёвой. – Москва : Аванта, 2017. – 96 с. 

dekoraciay01

dekoraciay02

Театр – любимое развлечение миллионов людей, ведь это фееричная постановка, в которой важна не только талантливая игра актёров, но и самые различные эффекты, в том числе декорации, считающиеся главным и ключевым визуальным эффектом.

Декорация (от фр. decoratio – украшение) – это совокупность элементов, составляющих внешнее оформление архитектурного сооружения, его интерьеров. Но чаще этот термин употребляется для обозначения принадлежностей театра, имеющих своим назначением производить иллюзию места, в котором происходит действие, разыгрываемое на сцене. Поэтому театральные декорации представляют по большей части либо пейзажи, либо перспективные виды улиц, площадей и внутренности зданий.

Они пишутся красками на холсте, именно поэтому профессия их создателей носит название "художник-декоратор". Известными в данной профессии были: Лев Бакст, Виктор Васнецов, Константин Коровин, Василий Поленов, Иван Билибин и многие другие известные живописцы.

Более подробно познакомиться с термином и искусством создания декораций можно в книгах:

Алянский Ю. Азбука театра / Юрий Алянский. – Москва : Современник, 1998. – 238 с. : ил. – (Под сенью дружных муз).

Елькина М. Театр / М. Елькина, Э. Ялымова. – Москва : ОЛМА-ПРЕСС Гранд, 2002. – 224 с. – (Путешествие в мир).

igrushka01

igrushka02

Дымковская игрушка – один из старейших народных глиняных промыслов России. Возник в заречной слободе Дымково, близ города Вятки (ныне на территории города Кирова). Ремесло существует более четырёхсот лет, но до сих пор не утратило популярности. Напротив, продукция из глины пользуется спросом у потребителей не только в нашей стране, но и за её пределами.

Такая игрушка – это декоративная глиняная скульптура высотой до 25 сантиметров. Роспись производится по обожжённому в печи изделию темперными красками, применяется позолота. Традиционные образы дымковских игрушек – барыня, домашние животные, индюк. Все они выполнены в ярких цветах, призывающих показать радость жизни. Коллекционеры ценят фигурки, при помощи которых можно создавать определённые сюжетные композиции.

Дымковская игрушка, несмотря на каноничность, является эксклюзивной. Дело в том, то каждый мастер пытается привнести в изделие свои авторские наработки. Поэтому невозможно найти две абсолютно одинаковые игрушки.

Рассмотреть такие глиняные фигурки можно в нашей библиотеке в отделе искусств. А познакомиться с историей возникновения, производства и узнать ещё больше о таком ярком и запоминающемся ремесле можно при помощи книг:

Клиентов А. Народные промыслы / Алексей Клиентов. – Москва : Белый город, 2004. – 47 с. : ил. – (История России).

Соловьева Л. Игрушка / Лариса Соловьева. – Москва : Интербук-бизнес, 2002. – 119 с. : ил. – (Русский сувенир).

 blohina

vardugin

Епанча (от древнерусского "япончица") – широкий безрукавный круглый плащ с капюшоном у мужчин, а у женщин – короткая безрукавная шубейка. Епанча – древнейшая верхняя одежда. Упоминание о ней встречается в "Слове о полку Игореве" и "Домострое". Само название происходит от турецкого "япунджа", означающего "покрышка, попона". Епанчу надевали в дождливое время. Шили её из сукна или войлока и пропитывали олифой.

Епанча была очень популярной на Руси. В конце XVII века она стала торжественной одеждой придворных. Даже на гербе Рязани изображён стоящий в золотом поле князь в червлёной епанче. При Петре I была она введена в армейское обмундирование. В сущности, епанча и поныне несёт свою "службу", только сейчас её называют плащ-палаткой.

Всё о том, как епанча становилась популярной, и о других предметах русского костюма ищите информацию в книгах отдела литературы и материалов по искусству:

Блохина И. В. Всемирная история костюма / И. В. Блохина. – Москва : АСТ, 2014. – 192 с. : ил. – (Всемирная история стиля).

Вардугин В. И. Русская одежда : история народного костюма от скифских до советских времён / В. И. Вардугин. – Саратов : Региональное Приволжское издательство "Детская книга", 2001. – 352 с. : ил. – (Отечество – Россия).

elka

Ёлка – кладка камней или кирпичей под углом друг к другу, при этом образуется рисунок по типу ёлки. Такая кладка применяется при устройстве полов и при кладке сводов. В храме Василия Блаженного в Москве (Собор Покрова Пресвятой Богородицы) пол обходной галереи выложен кирпичом частично ёлочной кладкой. Интересно, что кирпичи, сохранившиеся с шестнадцатого столетия, более устойчивы к истиранию, чем используемые при реставрационных работах.

Прочитайте о разных видах кладки и других архитектурных терминах в книге:

Партина А. С. Архитектурные термины : иллюстрированный словарь / А. С. Партина. – Москва : Стройиздат, 2001. – 208 с. : ил.

zhivopis

zhivopis1

Живопись – один из основных видов изобразительного искусства, художественное изображение предметов, явлений жизни на плоскости посредством цветных материалов. В основе определения – слово "живописать", что значит изображать живо, жизнеподобно. Выделяют живопись монументальную (чаще всего это росписи), станковую – созданную на мольберте (станке), театрально-декорационную, миниатюру. 

По технике исполнения подразделяется на масляную, акварель, фреску, темперу, гуашь, пастель, энкаустику, эмаль. 

Существуют следующие жанры живописи: портрет, пейзаж, натюрморт, марина (морской жанр), религиозный, исторический, бытовой, батальный, жанровый, анималистический. 

С нашими книгами вы можете попробовать свои силы в любом их них. 

Алленова Е. М. Живопись / Е. М. Алленова. – Москва : СЛОВО/ SLOVO, 2001. – 48 с. – (Что есть что). 

АРТ-класс : школа живописи : [учебное издание] / ответственный редактор Н. Лукьянова. – Москва : АСТ, 2002. – 192 с. : ил. 

zhostov

zhostov1

Жостовская роспись – русский народный художественный промысел росписи по металлу. История промысла восходит к 1825 году, когда в ряде подмосковных сёл и деревень – Жостове, Осташкове, Троицком и других – стали возникать мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Возникновение расписного жостовского подноса связывают с Осипом Вишняковым, организовавшим собственное производство, изделия которого вытеснили "бумажные" поделки из окрестных мастерских. 

За свою историю жостовское ремесло обрело статус уникального искусства. В 1993 году в соответствии с Указом Президента РФ № 1847 Жостовская фабрика декоративной росписи была отнесена к особо ценным объектам культурного наследия народов Российской Федерации. Каждому подносу, изготовленному на фабрике, присваивается специальный номер. 

Основной мотив жостовской росписи – яркий цветочный букет, в его основе – старые разработки декоративных композиций с набором садово-полевых цветов. 

Полюбоваться красотой мастеров и прочитать о жостовской росписи можно в книгах: 

Художественные лаки / авторы и составители С. В. Горожанина, Е. В. Куценко. – Москва : Мелихово, 2006. – 64 с. 

Дорожин Ю. Г. Жостовский букет : рабочая тетрадь по основам народного искусства / Ю. Г. Дорожин ; художник Михаил Лебедев. – Москва : Мозаика-Синтез, 2009. – 24 с. – (Искусство детям).

 zodchestvo

zodchestvo001

Термин "зодчество" является синонимом архитектуры: это искусство проектировать и строить здания. 

Первоначально зодчими именовали горшечников и гончаров, а зодчеством – искусство лепки из глины. Затем значение расширилось, и так стали называть строителей и проектировщиков зданий. А сегодня под этим термином понимают древнерусскую архитектуру IX–XIII веков. 

В конце XVIII века Николай Карамзин назвал слово "зодчество" устаревшим и предложил использовать вместо него "архитектура". Однако термин продолжали употреблять в литературных произведениях для эффекта стилизации, создания высокого стиля. 

В XIX веке историки начали интересоваться старинными зданиями. Их реставрировали и изучали во время археологических экспедиций. В те же годы словом "зодчество" стали обобщать всю архитектуру Древней Руси, но сейчас под этим определением понимают деревянные постройки. 

Деревянное зодчество – это понятие, широко известное на территории России. Это направление искусства возведения зданий является неотъемлемой частью исторического и культурного наследия нашей страны. На сегодняшний день в России сохранилось несколько музеев-заповедников под открытым небом, которые позволяют современному человеку воочию увидеть, что такое зодчество Древней Руси. 

Познакомиться поближе с термином, произведениями искусства и их творцами можно при помощи книг: 

Александрова Л. Деревянное зодчество Руси / Лариса Александрова ; рисунки автора. – Москва : Белый город, 2003. – 48 с. : ил. – (История России).  

Новиков Ф. Зодчие и зодчество / Феликс Новиков. – Москва : УРСС, 2003. – 480 с. : ил.

 gold

gold001

Золотое сечение, или золотая пропорция, – идеальное пропорциональное соотношение двух величин, лежащее в основе гармонии природы и человека. В численном выражении это бесконечное число, которое округляют до 1,618 и обозначают число золотого сечения греческой буквой Φ (фи). 

Мы можем найти примеры золотого сечения во многих формах жизни: моллюски и земноводные, семечки подсолнуха, шишки, паутина, а также строение частей тела человека. Люди в своей деятельности и творчестве многое берут от природы. Так золотое сечение встречается во многих произведениях мирового искусства. 

Египетские пирамиды, собор Парижской Богоматери, Парфенон – всё это образцы использования золотого сечения в архитектуре. Картину, построенную с использованием этой пропорции, мы воспринимаем как правильную и красивую. 

Знаменитый Леонардо да Винчи уделял большое внимание изучению человеческого тела, анатомии, пропорциям и прочим премудростям, связанным с правильным построением композиции. Легендарный рисунок художника "Витрувианский человек" представляет собой иллюстрацию канонических пропорций человеческого тела, которые описал римский архитектор Витрувий ещё в I веке до н. э. 

Подробнее познакомиться с понятием "золотое сечение", прочитать трактаты Леонардо да Винчи, самому научиться рисовать, соблюдая эту золотую пропорцию, вам поможет литература из нашего фонда, в частности: 

Уроки рисования / авторы-составители Р. Смирнова, И. Миклушевская. – Москва : Астрель, 2001. – 224 с. : ил. 

Леонардо. Жизнь и творчество / тексты Анточча Л., Кастель А. и др. – Москва : Белый город, 2001. – 146с. : ил. 

 Icon001

Icon002

Икона, иконография, иконопись имеют общий корень, который с греческого переводится как "изображение, образ".

В православной традиции иконой называют изображение персонажей, событий из Священной или церковной истории, написанное в соответствии с догматами церкви и строгим каноном.

Икону часто называют "книгой о вере" и "богословием в красках". На протяжении всей истории христианства она была символом веры людей в Бога и его помощь. С глубокой древности иконопись как вид живописи служила "языком для неграмотных" со своими правилами и символикой. Веками мастера доводили его до совершенства, пытаясь передать материальными средствами духовное инобытие. Оттого иконопись и по сей день считается труднейшим и редчайшим искусством, в котором соединяются человеческие возможности и божественное начало.

А у слова "иконография" несколько значений: это и каноническая система изображения каких-либо персонажей или сюжетов, характеризующаяся созданием художественных форм с устойчивым значением; и совокупность особенностей, характеризующих иконы того или иного типа; и наука, изучающая иконы, историю и обстоятельства формирования христианского искусства.

Более подробно познакомиться с этим удивительным видом живописи и образами святых можно благодаря книгам, находящимися в отделе литературы и материалов по искусству, среди которых хочется выделить два издания, предназначенных специально для детей:

Аристова В. Икона / В. Аристова. – Москва : Росмэн, 2001. – 95 с. : ил. – (История искусства для детей).

Орлова Н. Иконопись / Нина Орлова. – Москва : Белый город, 2004. – 47 с. : ил. – (Энциклопедия живописи для детей).

Interior001

Interior002

Интерьер (от лат. interior – "внутренний мир") – в широком значении – вид изнутри на какой-либо объект, противоположно слову "экстерьер"– вид снаружи. В более узком смысле, в архитектуре – внутреннее пространство здания, его композиция с элементами отделки. Архитектор и дизайнер, создавая интерьер, ориентируются на внешний вид здания и стилистические особенности течений и направлений.

История интерьера уходит корнями в глубину веков, но точной даты для отсчёта назвать никто не может. Может, стоит начать с иероглифов в пещерах первобытных людей? Или же с древних египтян, которые довольно экстравагантно оформляли гробницы фараонов и внутреннее пространство пирамид? 

Для любой культуры, этноса, страны, религии, исторического периода или целой эпохи можно выделить характерные стили интерьера. Они меняются, развиваются, забываются, а потом вновь становятся популярными. Неизменным остаётся одно – людям всегда и во все времена хотелось жить в окружении красивых вещей и комфорта. Развитие истории интерьера обусловлено тем, что каждая эпоха обладала своими взглядами и представлениями о внутреннем и внешнем убранстве архитектурного сооружения. Сейчас все стили оформления можно разделить на три группы: классические (античный, готика, ренессанс, модерн и пр.), этнические (африканский, японский, русский, скандинавский и т. д.) и современные (хай-тек, минимализм, эклектика, лофт и т. д.). 

Примечательно ещё и то, что в истории живописи существует жанр изображения интерьера, зародившийся в голландском искусстве XVII века, но уходящий корнями в искусство Возрождения XV–XVI веков. Этот жанр оставил неизгладимый след и в творчестве русских художников. 

Рассмотреть интерьеры в русской живописи и познакомиться с основными правилами создания интерьера, сочетания цветов и стилей можно с помощью книг: 

Интерьер в русском искусстве : альбом / авт. статей Н. В. Розанова, И. М. Сахарова и др. / Москва : Искусство, 2002. – 208 с. : ил. 

Миллер Д. Интерьер : цвет и стиль / Джудит Миллер. – Москва : Ниола 21-й век, 2001. – 240 с. : ил.

 coturn01

coturn02

Котурн (платформа) – вид обуви, представляющий собой высокий открытый сапог из мягкой кожи на высокой подошве. 

В античном театре котурны – обувь для трагических актёров на необычайно высокой подошве. Спектакли тогда часто проходили в больших амфитеатрах. Чтобы донести образ до зрителей, которые могли находиться довольно далеко от сцены, актёры использовали яркие костюмы, большие маски, высокую обувь. Она увеличивала рост актёра, придавала ему величие и торжественность. Создавая убедительные образы богов и императоров, актёры надевали котурны, чтобы стать заметней и важней других персонажей, чтобы свысока взирать на них. 

Как и некоторые другие термины античного театра, это слово можно употреблять сегодня в переносном смысле. "Не становись на котурны" – это значит: не действуй и не говори так торжественно; будь естественнее и проще. 

В истории античного театра было много интересных моментов, познакомившись с которыми можно погрузиться в историю драматического театра и в особенности актёрской игры. Более подробную информацию вы найдёте в следующих изданиях: 

Алянский Ю. Азбука театра : 50 маленьких рассказов о театре / Юрий Алянский ; художник Рашид Доминов. – Санкт-Петербург : Петербургский театральный журнал : Детское время, 2020. – 160 с. : ил. 

Иллюстрированная история мирового театра / под ред. Джона Рассела Брауна. – Москва : БММ АО, 1999. – 582 с. : ил.

 kremlin01

kremlin02

Кремль – это центральная часть в русских городах, обнесённая стенами с башнями, которая строилась в целях укрепления, как правило, на высоких местах. Синонимы слова "кремль" – город, кром, укрепление, детинец (употреблялось до XIV века).

Происхождение слова "кремль" достоверно неизвестно, но есть несколько версий. Так, по одной из них, оно произошло от названия хвойного дерева "кремь", известного как очень крепкий строительный материал. Другая версия уходит к греческому языку и слову "кримнос", означающему "крутую гору над берегом или оврагом". Первые кремли на Руси были деревянно-земляными, позднее в строительстве стали использовать камни и кирпич. Кремль обычно располагался на высоком месте, часто у берега крупных водоёмов. Планировка была разной, зависела от рельефа местности, а количество башен и расстояние между ними ориентировалось на оборонительные соображения. Стены сооружений, как правило, окружали рвами, в башнях устраивались бойницы, а над стенами – навесные стрельницы.

До наших дней сохранилось двенадцать кремлей, среди которых встречаются как деревянные, так и каменные. Узнать об истории этих строений, рассмотреть эти величественные здания на фотографиях вы можете, ознакомившись с изданиями:

Самые известные крепости и кремли : иллюстрированная энциклопедия / сост. А. И. Пантилеева. – Москва : Белый город, [2015]. – 104 с. : ил. – (Самые знаменитые).

Шереметьева Т. Семь чудес России / Татьяна Шереметьева. – Минск : Харвест, 2008. – 160 с. : ил.

laki01

laki02

laki03

Лаки (фр. Laque, нем. Lack) – растворы бесцветных природных смол или синтетических веществ в органических растворителях. Лаки служат для придания поверхности блеска и защиты её от сырости, пыли и других вредных воздействий; именно с этой целью художники покрывали готовое полотно лаком. 

Изделиям декоративно-прикладного искусства из дерева, папье-маше и металла лакировка придаёт законченность и праздничный вид. Они также нередко украшены росписью, резьбой, инкрустацией или гравировкой. Такой вид народного искусства носит название лаковая миниатюра или художественные лаки. 

Лаковое искусство известно в Китае и Японии со II тысячелетия до н. э., откуда распространилось в Индию и Иран, затем в Европу, а в конце XVIII века и в Россию, где лаковая живопись стала новым художественным явлением. В XIX веке появились народные промыслы росписи маслом по лаку – федоскинские лаки и жостовская роспись. А в XX столетии развилось тончайшее искусство темперной миниатюры на лаковых изделиях – палехские, мстёрские и холуйские лаки. 

Больше узнать об этих удивительных народных промыслах вы можете с помощью книг, среди которых есть эксклюзивное издание с UV-лакированными иллюстрациями, знакомящее с современным искусством лаковой миниатюры: 

Пирогова Л. Русская лаковая живопись. XXI век : альбом / Л. Пирогова. – Москва : Интербук-бизнес, 2006. – 191 с. : ил. 

Русская лаковая миниатюра : Федоскино : Палех : Мстера : Холуй: Альбом-антология / авт.-сост. М. Некрасова. – Москва : Согласие, 1994. – 296 с. : ил. 

Художественные лаки : Лаковая миниатюра Федоскина ; Жостовские подносы / авт.-сост. С. В. Горожанина, Е. В. Куценко. – Москва : Мелихово, 2006. – 64 с. : цв. ил. – (Путешествия в мир народного искусства Подмосковья). 

 lyagushachya1

lyagushachya2

Лягушачья перспектива – это условное обозначение перспективного изображения, пространства в изобразительном искусстве, когда художник смотрит на объект с позиции снизу вверх. В этом случае построение формы осуществляется в определённом ракурсе, будто глаза наблюдателя находятся на уровне земли.

Такой вид перспективы применяется в живописи плафонов, а также характерен для перспективной живописи потолков. В станковом искусстве этот тип перспективного решения может быть использован и как приём при общей художественной организации по правилам прямой перспективы. Он часто использовался художниками-маньеристами, среди которых стоит выделить Понтормо и Пармиджанино. Подробнее узнать о маньеризме, его представителях и их работах можно в книге Гомбрих Э. История искусства / Эрнст Гомбрих. – Москва : АСТ, 1998. – 688 с. : ил.

Видов перспектив очень много, познакомиться с ними и научиться рисовать можно с помощью книги Смит Р. К. Перспектива : глубина и реалистичность изображения / Рей Кэмпбелл Смит ; пер. с англ. С. Кормашовой. – Москва : Кристина-новый век, 2006. – 48 с. : ил. – (Уроки живописи).

 marina01

marina02

marina03

Марина – это вид пейзажа, на котором изображено море. Также маринами называют конкретные картины, гравюры морской тематики, сцены морского сражения или иные события, происходящие на море. Слово произошло от латинского marinus – морской.

Как одно из первых проявлений жанра рассматривается наскальный рисунок морской баталии на стене пещеры Лаха Альта в Испании. Долго море изображалось художниками в качестве фона к каким-либо событиям, относилась такая живопись к пейзажу и не имела названия. В качестве самостоятельного жанр марины сформировался в Нидерландах в начале XVII века. Тогда на смену красочным картинам морских сражений приходит изображение самого моря, часто неприветливого, грозного во время бури или затянутого туманами, по которым плывут рыбачьи лодки со скромными парусами или пышные торговые корабли. Но лишь в XIX веке появилась чистая марина – море без кораблей.

Маринистами называют художников, пишущих морские пейзажи. Яркие представители этого жанра – Уильям Тёрнер, Клод Жозеф Верне, Клод Лоррен, Сильвестр Щедрин, Алексей Боголюбов, Иван Айвазовский и многие другие.

Узнать о жанре, рассмотреть удивительные полотна и познакомиться с биографиями художников-маринистов можно, обратившись к изданиям:

Иван Айвазовский / текст Г. Чурак. – Москва : Белый город, 2000. – 64 с. : ил. – (Мастера живописи).

Маринисты / авт.-сост. Г. В. Дятлева, Е. Н. Биркина. – Москва : Олма-Пресс, 2001. – 352 с. : ил. – (Энциклопедия живописи).

Шестимиров А. Морской пейзаж : русская и европейская живопись / А. Шестимиров. – Москва : Белый город, 2003. – 544 с. : ил. – (Энциклопедия мирового искусства).

 matreshka01matreshka02

Матрёшка… Кто не знает эту удивительную русскую игрушку – символ нашей страны?! Примечательно, что корни её отнюдь не русские.

Появилась матрёшка в России в конце XIX века, прообразом для неё послужила фигурка одного из семи японских богов удачи – бога мудрости Фукурумы, который был с секретом: в нём пряталась вся его семья. Разъёмная игрушка заинтересовала русского художника Сергея Малютина, и он сделал подобные, расписав фигурки, выточенные Василием Звёздочкиным, на русский лад – так появились круглолицые румяные девушки в сарафанах и их братец в расписной рубахе. Все фигурки отличались друг от друга, а последняя, восьмая изображала младенца.

Почему деревянную куклу-игрушку назвали матрёшкой? Когда увидели первую фигурку, выточенную и расписанную, кто-то из художников сказал: "Какая Матрёна!". Решили, что это имя подходит ей больше всего, ведь оно было одним из самых распространённых в России и имело ласковую форму – Матрёшка.

Несмотря на столь юный возраст – чуть более ста лет – эта куколка стала одним из самых популярных русских сувениров. Фигурка, впервые появившись в Париже на Международной выставке в 1900 году, была отмечена золотой медалью. После этого матрёшек стали производить в Сергиевом Посаде, а затем и в других районах страны: городе Семёнове, селе Полхов-Майдан, на Вятской земле, в Башкирии и Воронеже…

Познакомиться с историей матрёшки, узнать об особенностях и различиях изготовления и расписывания изделий в разных уголках России можно при помощи книг:

Горожанина С. В. Русская матрёшка / С. В. Горожанина. – Москва : Интербук-бизнес, 2012. – 208 с. : ил.

Иванова Ю. Матрёшка : кукла с секретом / Ю. Иванова ; худ. Н. Кондратова. – Москва : Настя и Никита, 2019. – 24 с. : ил. – (Настя и Никита).

 naturmort01

naturmort02

Натюрморт – это жанр изобразительного искусства, в котором главными персонажами произведения выступают обычные вещи. Это могут быть не только неодушевлённые предметы, но и живые существа. Однако птицы, животные или люди, по замыслу художника, лишь дополняют основной мотив картины.

Термин "натюрморт" происходит от французского nature morte, что переводится как "мёртвая природа". Элементы натюрморта можно увидеть на античных фресках и мозаиках. До рубежа XV–XVI веков натюрморт существовал как часть живописной композиции. Это были изображения цветов, столов с расставленными на них предметами, дичи на картинах с охотниками. Первой известной работой, которую полностью можно отнести к данному жанру, является картина Якопо де Барбари "Вид с куропаткой, латной руковицей и арбалетным болтом", написанная в 1504 году. Полностью в качестве отдельного жанра натюрморт сформировался лишь в XVIIвеке.

Выделяют множество видов натюрморта: цветочный, тональный, учёный, охотничий, фруктовый, восточный, "завтраки". Поджанры натюрморта не ограничиваются перечисленными, можно выделить и более узкие типы, а кроме того, есть полотна, созданные на стыке жанров.

В России натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в начале XVIII века. Долгое время он рассматривался в качестве "низшего" жанра и допускался в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов. Лишь в начале XXвека русский натюрморт стал самостоятельным и равноправным жанром. Наиболее яркие натюрморты создавали: Николай Сапунов, Иван Хруцкий, Кузьма Петров-Водкин, Игорь Грабарь и многие другие.

Познакомиться с историей жанра и его представителями, а также научиться рисовать натюрморты можно с помощью книг:

Барбер Б. Рисуем натюрморты : базовый и продвинутый методы / Баррингтон Барбер. – Москва : Эксмо, 2014. – 48 с. : цв. ил. – (Я – художник!).

Дятлева Г. Мастера натюрморта / Галина Дятлева. – Москва : Вече, 2002. – 272 с. : цв. ил. – (Magistri artium).

 nocturne01

nocturne02

nocturne03

Ноктюрн – это небольшое лирическое музыкальное произведение. Как правило, оно написано на "ночную" тему, ведь не зря слово произошло от французского nocturne, что в буквальном переводе означает "ночной".

В Средневековье так называли католическую церковную службу, которая проходила ночью. В XVIII веке ноктюрнами стали называть любые произведения, исполненные ночью на улице. Среди них известны "Маленькая ночная серенада" Вольфганга Амадея Моцарта и "Музыка для фейерверка" Георга Фридриха Генделя. Значение термина вновь изменилось в начале XIX века, когда композитор Джон Филд стал писать небольшие композиции, которые были посвящены ночи и отличались романтическими сюжетами. Он назвал их ноктюрнами, такие сочинения стали исполнять не только на улице поздно вечером, но и на обычных концертах и выступлениях. Сначала все ноктюрны писали для фортепиано, в середине XIX века появились оркестровые, а затем и вокальные произведения.

Этот жанр стал популярен благодаря композитору Фредерику Шопену. Он значительно обогатил и углубил его, подарив миру более двадцати удивительных ноктюрнов, которые стали визитной карточкой композитора. Кроме Шопена "ночные" музыкальные произведения писали Ференц Лист, Феликс Мендельсон и Эдвард Григ. В России ноктюрны создавали Михаил Глинка, а также Пётр Чайковский и Милий Балакирев. Отечественные композиторы часто вдохновлялись народной музыкой, поэтому их сочинения были мелодичными и напоминали старинные романсы. В XX веке ноктюрны снова изменились. В новых произведениях этого жанра композиторы пытались достоверно передать ночные звуки – крики птиц, шелест листвы.

Примечательно, что этот термин существует не только в музыке, но также в живописи и в литературе. Вдохновлённый музыкальными ноктюрнами, художник Джеймс Уистлер стал использовать данное слово в названии своих работ, изображающих ночные сцены.

Больше узнать о жанре, познакомиться с биографией Джона Филда, попробовать сыграть ноктюрны на фортепиано и прослушать шедевры "ночных" мелодий Фредерика Шопена помогут вам издания:

Анненкова К. Ночные песни русского Джона Филда / К. Анненкова. – Москва : Воскресенье, 2000. – 136 с. : ил.

Коллинз С. Классическая музыка от и до / Стефан Коллинз. – Москва : Фаир-Пресс, 2001. – 288 с. – (Грандиозный мир).

Шопен Ф. Ноктюрны № 1–11 / Ф. Шопен. – Москва : Aquarius, 2000. – 1 CD. – (The best of classics). – Загл. с титул. экрана. – Музыка (исполнительская) : аудио.

 orkestr001

orkestr002

Оркестр (от др.-греч. орхестра – площадка для хора в античном театре) – это коллектив музыкантов, играющих на различных инструментах, во главе с дирижёром.

Идея ансамблевого музицирования зародилась очень давно, предположительно в Древнем Египте. Затем активно использовалась в театрах Древней Греции и Древнего Рима. В эпоху Возрождения и далее в XVII веке орхестра трансформировалась в оркестровую яму и дала название помещавшемуся в ней коллективу музыкантов.

Партия "Орфея", написанная Клаудио Монтеверди в 1607 году для сорока инструментов, является ранним образцом оркестровки. Далее стали появляться музыкальные коллективы, подобные современному оркестру. Вместе с развитием инструментов увеличивалось и количество музыкантов, благодаря чему композиторы получили возможность сочинять более впечатляющие композиции.

Сегодня существует много различных типов оркестра: симфонический, струнный, духовой, джазовый, эстрадный, оркестр народных инструментов, военный и школьный. Самым большим по составу и самым богатым по своим возможностям является симфонический оркестр.

Познакомиться с музыкальными инструментами и составом симфонического оркестра вы можете при помощи книг из отдела литературы и материалов по искусству, среди которых стоит выделить:

Ардли Н. Музыка / Н. Ардли. – Лондон : Нью-Йорк : Сидней : Дорлинг Киндерсли ; Москва : Слово, 1999. – 64 с. : цв. ил. – (Очевидец. Обо всем на свете).

Густафсон С. Оркестр зверей : учимся считать / Скотт Густафсон ; рисунки автора. – Москва : Аякс-Пресс, 2015. – 32 с. : цв. ил.

 ornament001

ornament002

Орнамент (от латинского ornamentum – "украшение") – это разновидность декоративного оформления предметов или объектов посредством чередования и сочетания различных узоров. Его широко используют в архитектуре и вышивке, монументальной скульптуре и гончарном деле, книжной графике и производстве текстильных изделий, ювелирном деле и кузнечном ремесле. Это особая сфера искусства, которая развивалась на протяжении тысячелетий во всех мировых культурах. Мотивы орнаментальных изображений у разных народов могут сильно различаться, они имеют глубокий символический смысл и яркую декоративную выразительность.

Виды орнамента условно можно разделить на несколько групп по закономерности построения (сетчатые узоры, ленты), изобразительным мотивам (символические, растительные, каллиграфические и пр.), стилям (античный, классический и пр.) и национальной принадлежности. История данного декоративного оформления берёт начало в древних временах, задолго до появления первых цивилизаций. Возраст самых ранних образцов орнаментального творчества составляет более 45 тысяч лет. На протяжении многих тысячелетий традиции ремесла развивались в различных странах и регионах мира, а также в разных видах искусства. И в наши дни орнамент остаётся популярным во многих сферах деятельности человека.

С уникальными образцами узоров, созданных мастерами разных эпох и направлений, сегодня можно познакомиться в музеях, а также в книгах и альбомах. В нашей библиотеке тоже есть интересные издания, посвящённые орнаменту:

История русского орнамента с X по XVI столетие по древнерусским рукописям. – Москва : Издательство В. Шевчук, 2016. – 104 с. : цв. ил.

Лоренц Н. Орнамент всех времён и стилей / Н. Лоренц. – Москва : Эксмо, 2009. – 295 с. : цв. ил.

pastel01pastel02pastel03

Пастель (фр. pastel, итал. pastello – тесто) – наименование группы художественных материалов и техники рисунка, применяемых в графике и живописи (согласно теории искусства, работа пастелью на бумаге относится к графике). Чаще всего выпускается в виде мелков или карандашей без оправы, имеющих форму брусков с круглым или квадратным сечением. 

Пастель эволюционировала из техники, которую применяли итальянские художники в XVI веке. Они одновременно использовали красную сангину и спрессованную сажу с примесью клея, такую технику называли "а пастелло". В следующем веке она была очень популярным материалом и стала самостоятельной техникой. Большим успехом пастель пользовалась у представителей Венецианской школы, а также у известных художников XIX века, среди которых были Эдгар Дега, Илья Репин, Исаак Левитан и многие другие. 

Большинство разновидностей пастели изготавливают методом прессования. Основой для производства служат красящий пигмент и связующее вещество. В зависимости от химического состава и свойств различают основные типы и виды пастели: твёрдая и мягкая, сухая и масляная, акварельная и восковая, а также выделяют пастельные карандаши. 

Когда хочется попробовать новую технику в графике, но боитесь ошибиться, то начните с пастели. Обучиться работе с пастелью с самых ранних лет можно при помощи книг, находящихся в нашем отделе: 

Беррилл Ф. Рисуем пастелью / Филип Беррил. – Москва : Мир книги, 2007. – 64 с. : цв. ил. – (Учимся рисовать). 

Рисование пастельным карандашом / пер. с яп. ; ил. Сатоси Ирияма. – Москва : Эксмо, 2015. – [64] с. : цв. ил. – (GAKKEN. Японские принципы развития ребёнка). 

Харди П. Рисуем пейзажи пастелью / Пол Харди. – Москва : Кристина и Ко, 2001. – 48 с. – (Уроки живописи).

plakat01plakat02

Плакат (нем. plakat от фр. placard – объявление, афиша, от plaquer – налепить, приклеивать), или постер (англ. poster – плакат), – разновидность прикладной печатной графики, художественно-иллюстративное крупноформатное печатное издание, содержащее информацию рекламного, агитационного, учебного и другого характера.

Афиши известны с древних времён. Они размещались в людных местах и информировали о текущих событиях, государственных законах, спектаклях и спортивных состязаниях. Плакат как результат работы художника появился лишь во второй половине XIX века в Западной Европе. Театральная афиша дала жизнь этому художественному направлению как отдельному виду графического искусства.

Композиционные черты плаката включают в себя яркие, кричащие краски, крупные объекты, плоские формы и лаконичные эстетические решения. Всё это отвечает главной цели – привлечение внимания.

Сейчас плакат занимает прочное место в сфере рекламного дизайна, это связано с изменениями технологии производства, а также стиля и художественных особенностей.

В XX веке в нашей стране плакаты были очень популярны. Их печатали массовыми тиражами, для достижения различных целей. Они привлекали внимание к новым фильмам и спектаклям, рекламировали различную продукцию, побуждали к здоровому образу жизни, а также поддерживали боевой дух народа во время Великой Отечественной войны.

Благодаря этим книгам вы познакомитесь с шедеврами русского плакатного искусства прошлого века:

Бабурина Н. Россия – 20 век : история страны в плакате : альбом / Н. Бабурина. – Москва : Панорама, 2000. – 256 с. : цв. ил.

Русский плакат. XX век. Шедевры / авт. вступ. статьи С. Артамонова. – Москва : Контакт-Культура, 2000. – 176 с. : цв. ил.

 regisseur01

regisseur02

Режиссёр (фр. rеgisseur – заведующий, от лат. rego – управляю) – творческий работник зрелищных видов искусства: театра, кинематографа, телевидения, цирка, эстрады. В первую очередь он отвечает за художественный замысел произведения и его реализацию.

Данная профессия в современном понимании родилась в драматическом театре в конце XIX века, а в зародившееся в начале XX века игровое кино многие режиссёры приходили из театра, перенося в новый вид искусства имеющийся опыт.

На сегодняшний день, кроме театра и кино, эта профессия есть во многих областях культуры и искусства: цирк, телевидение и креативные и рекламные агентства.

Ключевыми обязанностями режиссёра являются: работа со сценарием, определение общей концепции представления и ключевых аспектов, подбор и руководство актёрской труппой, репетиции, проработки ролей, руководство деятельностью технической группы и т. д.

Однако имеются некоторые особенности профессии, которые определяются сферой работы. Например, когда приходиться работать в прямом эфире на телевидении, возникает необходимость принимать решения при нестандартных ситуациях. А в некоторых случаях режиссёру не принадлежит главная роль, например, балет ставит балетмейстер, а в оперном театре за многое отвечает дирижёр.

Узнать о профессии более подробно, а также познакомиться с биографиями известных режиссёров можно с помощью книг:

Мусский И. Сто великих режиссёров / И. Мусский. – Москва : Вече, 2004. – 480 с. – (100 великих).

Тирар Л. Профессия режиссёр : мастер-классы / Л. Тирар. – Москва : Э, 2017. – 248 с. : ил. – (Мастера сцены). 

 painting01

painting02

Художественная роспись – (от глагола писать, др.-русск. писа́ти) – искусство декорирования красками какой-либо поверхности. Это составная часть монументального, декоративно-прикладного и народного искусства.

В древности ею украшали стены дворцов, общественных зданий и гробниц. В средние века, в эпоху Возрождения фресками покрывались внутренние помещения церквей и соборов, а также отдельные помещения в жилищах знатных вельмож.

Художественная роспись украшает также предметы декоративно-прикладного искусства: майолику, фаянс, фарфор, стекло, изделия из дерева и металла, ткани – она придаёт им нарядный, праздничный вид.

Всемирную известность приобрели стенописи Успенского собора во Владимире и Сикстинской капеллы в Риме. Популярными в мире декоративно-прикладного искусства являются городецкая, мезенская, хохломская, жостовская, гжельская и другие.

Рассмотреть знаменитые стенные соборные росписи, а также познакомиться с техниками нанесения и их особенностями можно при помощи книг:

100 великолепных соборов мира / ред. Т. Варламова. – Москва : Мир книги, 2006. – 208 с. : цв. ил. – (Величайшие сокровища человечества на пяти континентах).

Величко Н. Русская роспись : энциклопедия / Н. Величко. – Москва : Аст-Пресс книга, 2016. – 224 с. : цв. ил. – (Золотая библиотека увлечений).

skulptura1

skulptura2

Скульптура (от латинского sculpo – "вырезаю", "высекаю") – это вид изобразительного пластического искусства, в котором художник создаёт объёмное произведение из твёрдых материалов. Главными объектами изображения в этом виде искусства традиционно являются люди и животные. Скульптурой также принято называть и сами работы художников, которые, в отличие от живописных или графических аналогов, имеют осязательную трёхмерную, а не плоскую форму.

Этот вид искусства предусматривает разделение художественных произведений по жанру, форме, назначению и материалу.

К главным скульптурным жанрам относятся: портретный, религиозный, исторический, мифологический, бытовой и анималистический. Но жанровые рамки расширяются каждый день, и сейчас массово создаются абстрактные скульптурные композиции, а главными героями произведений становятся разнообразные неодушевлённые предметы.

По назначению выделяют три основных разновидности скульптуры:
– монументальная – является частью архитектурной среды, характеризуется большими размерами, обычно представлена в виде памятников или монументальных сооружений;
– монументально-декоративная – это элементы рельефных художественных украшений зданий (атланты, кариатиды, фризы), а также установленные в садах и парках скульптурные композиции;
– станковая – создаётся для обзора с близкого расстояния, часто служит важной частью оформления интерьера.

Больше узнать об этом виде искусства, познакомиться с известными скульпторами и известными творениями можно при помощи книг:

Евстратова Е. Скульптура / Е. Евстратова. – Москва : Росмэн, 2002. – 127 с. : цв. ил. – (История искусства для детей).

Топалова Е. Медный всадник Э. М. Фальконе / Е. Топалова. – Москва : Алгоритм, 2016. – 240 с. : ил.

 suit1

suit2

Сюита (с фр. suite – "ряд", "последовательность", "чередование") – музыкальное произведение, состоящее из нескольких композиционно самостоятельных частей, но объединённых единой художественной мыслью. В данном жанре нашла своё продолжение традиция известная ещё в глубокой древности: сопоставление медленного танца-шествия и живого, прыжкового танца. Сюита представляет собой одну из разновидностей многочастных циклических форм инструментальной музыки.

В настоящее время сюиты подразделяются на три вида
Танцевальная "старинная сюита" – обладает определённой последовательностью, объединённых одной тональностью и написанных в простейших музыкальных формах, контрастных по характеру популярных танцев эпохи барокко. Самые известные принадлежат перу Иоганна Себастьяна Баха.
Камерная "романтическая сюита" – представляет собой циклическую форму, не ограничивающуюся определёнными рамками и включает в себя цикл разнохарактерных самостоятельных композиций с картинной изобразительностью, а также связанных с народным творчеством. Данный вид наиболее ярко представлен в творчестве немецкого композитора Роберта Шумана.
Концертная "оркестровая сюита" – это циклическое симфоническое произведение, включающее в себя несколько самостоятельных частей и имеющее программное содержание. Большую популярность получили "оркестровые сюиты", составленные из музыки к драматическим спектаклям, операм, балетам и кинофильмам.

Прослушать сюиты и узнать об одной из самых известных композиций данного жанра можно в изданиях:

Зимза М. Карнавал животных : сюита Камиля Сен-Санса / М. Зимза ; ил. Д. Айзенбургер. – Москва : Контэнт, 2019. – 32 с. : цв. ил. – (Музыкальная классика для детей).

Римский-Корсаков Н. Снегурочка : сюиты из опер / Н. Римский-Корсаков ; исполняет оркестр Большого театра ; Государственный академический симфонический оркестр СССР ; дирижёр Е. Светланов. – Москва : ЗДАТ, 2004. – 1 CD. – Музыка (исполнительская) : аудио.

tanec01

tanec02

Танец (польск. taniec, от нем. Tanz) – ритмичные, выразительные движения тела, обычно выстраиваемые в определённую композицию и исполняемые с музыкальным сопровождением.

Танцевальное искусство, возможно, древнейшее из искусств: оно отражает восходящую к самым ранним временам потребность человека передавать другим людям свои радость или скорбь посредством движений.

В русском языке слово "танец" появилось в XVII веке и образовалось от немецкого Тanz. Но так как оно было заимствовано через польский язык, к нему присоединили суффикс "-ец". Ранее употреблялось слово "пляска". С конца XIX в. оба слова стали употребляться как синонимы. Однако понятие "пляска" было шире, чем понятие "танец". Сейчас это слово чаще употребляется по отношению к народным танцам, нежели к бальным и иным формам танцевального искусства.

Основные характеристики этого вида искусств: ритм (быстрое или медленное повторение и варьирование движений), рисунок (сочетание движений в композиции), динамика (размах движений), техника (степень владения телом и мастерство исполнения).

Направлений и стилей танца очень много, у каждого народа и страны помимо основных видов могут присутствовать свои подвиды и направления. Среди основных стоит выделить народные, бальные, эстрадные, современные и акробатические танцы, а также балет.

Познакомиться с историей данного вида искусства, а также получше узнать его разновидности и особенности можно при помощи книг:

Великович Э. Танцевальные истории / Э. Великович. – Москва : Музыка : Гамма-Пресс, 2014. – 88 с. : ил. – (Школьная библиотека).

Моррис Н. Музыка и танец / Н. Моррис. – Москва : АСТ, 2002. – 32 с. : ил. – (Всё обо всём).

theatre01

theatre02

Театр (от греч. theatron – места для зрелища, зрелище) – основной род зрелищного искусства. Происхождение термина связано с древнегреческим античным театром, где именно так назывались места в зрительном зале.

Это коллективное искусство. В создании спектакля участвует множество людей: актёры, режиссёры, дирижёры, балетмейстеры, художники-сценографы, композиторы, хореографы, а также бутафоры, костюмеры, гримёры, рабочие сцены, осветители и многие другие.

Театр подразделяется на виды: драматический, оперный, балетный, кукольный и прочие. Данное искусство обладает специфическими особенностями, делающими его произведения уникальными. В основе театрального представления лежит текст, например, пьеса для драматического спектакля. Даже в тех постановках, где слово отсутствует, текст бывает необходим; в частности, балет имеет сценарий – либретто.

Сам театр берёт начало в древнем мире, а отдельные виды появлялись в разные эпохи в различных уголках мира, даже сейчас это искусство не стоит на месте и возникают новые виды театра: постдраматический, визуальный, иммерсивный и прочие, не менее интересные.

Познакомиться с историей и устройством театра, а также с профессиями в мире сценического искусства вы можете при помощи книг:

Кондратенко А. Театр / Александр Кондратенко; рис. Екатерины Панфиловой. – Москва : Издательский Дом Мещерякова, 2016. – 32 с. – (Пифагорушка).

Петраудзе С. Театр : краткая история, как устроен театр / Светлана Петраудзе. – Москва : Искусство-XXI век, 2014. – 96 с. – (Детям об искусстве).

uvertura01

uvertura02

Увертюра (фр. ouverture от лат. apertura – начало, открытие) – развёрнутая пьеса, инструментальное вступление к театральному спектаклю, вокально-инструментальным произведениям, а также к кинофильмам. Ещё увертюрой называют отдельный жанр симфонической музыки.

Она играет весьма важную роль, так как заранее подготавливает зрителей к действию, которое далее будет происходить на подмостках сцены. С первых звуков увертюра задаёт соответствующий эмоциональный тон, концентрирует внимание зрителя, настраивает его на идейный смысл произведения.

История жанра неразрывно связана с оперным искусством, зародившимся в Италии в XVI веке, когда перед основной постановкой звучала вступительная мелодия. На протяжении веков увертюра претерпевала изменения и внедрялась в различные виды театрального, музыкального и кинематографического искусства.

За всё время существования этого жанра было создано немало замечательных творений, вошедших в золотой фонд мировой музыкальной культуры. Познакомиться с известными увертюрами отечественных и зарубежных композиторов можно в нашей библиотеке – не только их прослушать, но и научиться играть на фортепиано:

Глинка М. Увертюра к опере "Руслан и Людмила" : фрагменты из опер / М. Глинка; исполняет Государственный академический симфонический оркестр ; дирижёр Е. Светланов и др. – Москва : Квадро Диск, 2001. – 1 CD. – (Романтическая классика). – Загл. с титул. экрана. – Музыка (исполнительская) : аудио.

Россини Д. Увертюра к опере "Севильский цирюльник" : переложение для фортепиано в  четыре руки / Д. Россини. – Москва : Золотое Руно, 2004. – 26 с.

ukie01

ukie02

Укиё-э – в переводе с японского – картины (образы) изменчивого мира. Слово "укиё", дословно переводится как "плывущий мир", а "э" означает "картина, изображение". Поэтому полное название данного направления в искусстве Японии говорит о том, что оно отображает повседневную, современную жизнь.

Сегодня этими гравюрами восхищаются, но во время появления и развития укиё-э японцы даже не считали их произведениями искусства. Ведь тогда они были созданы как средства массовой информации, использовались для игры и обучения, а также являлись неотъемлемой частью повседневной жизни. Как отражение японского общества той эпохи они представляют большой интерес.

В создании ксилографии зачастую принимали участие художник, резчик и печатник. Встречались и те, кто в одиночку справлялся с каждым этапом производства этого вида графического искусства. Порой для многоцветных картин, изготавливали свыше тридцати печатных форм. Пигменты наносили кистью или кончиком пальца. Изображения печатались на японской мягкой, впитывающей влагу бумаге, а затем отшлифовывались при помощи бамбукового диска барэна.

Гравюры укиё-э имели несколько жанров: бидзин-га (изображение красавиц), якуся-э (портреты актёров театра), муся-э (изображения самураев), фукэй-га (пейзаж) и катё-га (цветы и птицы).

Познакомиться с известными представителями этого вида графического искусства можно в книгах:

Виноградова Н. Хиросигэ / Н. Виноградова. – Москва : Белый город, 2004. – 48 с. – (Мастера живописи).

Виноградова Н. Хокусай / Н. Виноградова. – Москва : Белый город, 2006. – 48 с. – (Мастера живописи).

 photo01

photo02

 Фотография (фр. photographie от др.-греч. phōs, phōtos "свет" и graphein "пишу"; светопись – техника рисования светом) – разновидность изобразительного искусства, в которой с помощью особых технических средств можно воплотить свой творческий замысел в виде изображений – снимков.

Сам термин "фотография" появился в 1839 году. В Российской империи долго использовали буквальный перевод "светопись" этого же термина, но в итоге прижилось общепринятое название.

Этот жанр изобразительного искусства возник в середине XIX века и в течение долгих лет развивался, менял возможности съёмки и технологии печати снимков. С изобретением цифровой фотографии и массовым распространением телефонов, с возможностью создавать удивительные кадры всегда и везде, это искусство стало общедоступным явлением. Современные технологии позволяют любому человеку с хорошим художественным вкусом создавать яркие и красочные снимки.

Фотография, как и любой вид искусства, имеет несколько жанров: портрет, пейзаж, натюрморт, репортаж, макросъёмка, уличное фото и ночная съёмка. Помимо этого, есть ещё и разные стили съёмки: ретро, гламур, поп-арт, винтаж, гранж и многие другие.

Каждый из нас может попробовать себя в роли фотографа, благодаря любому устройству, у которого есть возможность делать снимки. Чтобы больше узнать об основах фотографии, базовых понятиях, режимах и возможностях устройств для съёмки, предлагаем следующие книги:

Геткам К. Фотография : выключи режим AUTO и делай по-настоящему хорошие снимки / К. Геткам. – Москва : АСТ, 2020. – 144 с. : ил.

Лабаста Р. Гид по мобильной фотографии. Сними свой шедевр / Р. Лабаста. – Москва : Эксмо, 2020. – 96 с. : ил. – (Фотография как искусство).

freska01

freska02

Фреска (от итал.  fresco – свежий), аффреско (итал. affresco) – живопись по сырой штукатурке, одна из техник стенных росписей. При высыхании содержащаяся в штукатурке известь образует тонкую прозрачную кальцитную плёнку, делающую фреску долговечной. Выполняется художником – фрескистом.

В настоящее время термином "фреска" могут называть любую стенную живопись, вне зависимости от её техники (альсекко, темпера, живопись масляными, акриловыми красками и так далее). Для обозначения непосредственной техники фрески иногда используют наименование "буон фреска" или "чистая фреска". Впервые этот термин появился в трактате итальянского художника Ченнино Ченнини (1437). Иногда по уже сухой фреске пишут темперой.

Дионисий : иконы и фрески Древней Руси / авторы статей: В. Н. Лазарев, И. Е. Данилова. – Москва : Теза, 112 с. : ил.

Лазарев В. Н. Искусство Древней Руси : мозаики и фрески / В. Н. Лазарев. – Москва : Искусство, 2000. – 304 с. – (Славяно-византийский свод).

hor 2

hor 1

Хором называют музыкальный ансамбль, состоящий из певцов (хористов). Слово это переводится с древнегреческого как "толпа". Ведь именно в Древней Греции появились первые певческие коллективы. В России профессиональный хор появился в XV веке.

Хор может быть однородным и смешанным, как маленьким, включающим 12 человек, так и состоящим из 120–130 исполнителей. На праздничных концертах звучат сводные коллективы численностью до 800 певцов. Все они поют разными голосами: сопрано, альт, тенор, бас. Хор может звучать в сопровождении инструментов, а может обойтись и без них. Такое пение называется пением a cappella. Руководит хором дирижёр или хормейстер. От его профессиональных и лидерских качеств зависит многое в жизни коллектива.

Расширить кругозор и знания о различных хорах помогут следующие издания:

Дубравин Я. Русская хоровая музыка на стихи А. С. Пушкина / Я. Дубравин. – Санкт-Петербург : Советский композитор, 1999. – 152 с. – Музыка (знаковая) : непосредственная.

Гимн православной России / хоровая капелла мальчиков и юношей г. Иваново ; худож. руководитель и дирижёр заслуженный работник культуры России А. Жуковский. – Москва : Благотворительный Фонд Святителя Николая Чудотворца, 2005. – 1CD. – Загл. с титул. экрана. – Музыка (исполнительская) : аудио.

hudozhnik 1

hudozhnik 2

Художник – это человек, занимающийся изобразительным искусством. Как правило, художниками называют всех, кто занят в разных видах художественного творчества. Поэтому можно сказать, что это "творческая личность, искусник, мастер, наделённый художественным дарованием и творческим воображением". В переводе с некоторых языков звучит, как "мудрый", "ловкий". В русском языке словом "художник" называют людей, искусных в ремёслах, а иногда даже специалистов, которые трудятся в разных сферах деятельности. Очень часто мы употребляем метафору "художник своего дела".

Это не только профессия, но и призвание. У художников свой, особый взгляд на мир. Истинный профессионал создаёт неповторимые шедевры, используя образы, на которые не обратит внимания большинство. Среди художников можно выделить несколько специализаций: живописцы, скульпторы, графики, декораторы, мультипликаторы… Этот список может быть очень длинным. Главное, что объединяет этих людей, – стремление создавать с помощью красок, холста, мольберта, глины, дерева и других материалов оригинальные произведения искусства.

Прочитать о многообразии художественного мира можно в книгах:

Громова Н. Ш. Художники / Н. Ш. Громова. – Москва : Эксмо, 2016. – 64 с. : цв. ил. – (Детям о великих людях).

Ушакова О. Д. Великие художники : справочник школьника / О. Д. Ушакова. – Санкт-Петербург : Литера, 2005. – 96 с. – (Словарик школьника).

цвет

цвет2

Цвет (лат. color – цвет, однокоренные термины: колорит, колористика и т. д.) – это оптическое явление, ощущение, создаваемое глазом или мозгом. Русский термин "цвет" фиксируется в древнерусской литературе с XII века, более ранние письменные источники установить не удалось.
Предметы сами по себе не являются цветными: ощущение цветности возникает как результат воздействия световых излучений. Восприятие цвета определяется индивидуальностью человека, а также спектральным составом, цветовым и яркостным контрастом с окружающими источниками света и несветящимися объектами.
Цвет – в изобразительных искусствах, главным образом в живописи, – одно из важнейших средств создания изображения. Но чтобы создать многоцветные изображения, необязательно иметь множество красок разных цветов и оттенков. Благодаря трём основным цветам в живописи, которые можно смешивать, мы получим не только дополнительные оттенки, но и другие цвета. К основным относятся красный, синий и жёлтый. Каждый из них имеет дополнительный цвет, который раскрывает его, и он состоит из смеси двух основных. Если их смешивать в разных пропорциях, то получатся разные оттенки, и при разной интенсивности можно получить плавный переход от одного цвета к другому. Расположив результаты друг за другом в окружности, мы получим цветовой круг, где напротив каждого оттенка будет располагаться дополнительный цвет.
Узнать больше о дополнительных науках, связанных с цветом и о нём самом можно с помощью книг:

Гарни Д. Цвет и свет: подробное пособие по рисованию для начинающих и профессионалов / Джеймс Гарни. – Москва : Эксмо, 2013. – 224 с. : ил.

Эрб Р. Цвет и свет / Роджер Эрб, Стефан Зелевски. – Москва : Мир книги, 2007. – 48 с. : ил. – (Зачем и почему).

цирк

цирк2

Цирк (от лат. Circus – круг) – это вид зрелищного искусства, по законам которого строится развлекательное представление. Также цирком называется и специальное здание для проведения зрелищных номеров.
Основой циркового искусства считается демонстрация необычного и смешного. В цирке очень много разных профессий: фокусники и иллюзионисты, пантомимы, клоуны, акробаты, эквилибристы, гимнасты, дрессировщики и многие другие.
Артисты, развлекающие публику, были всегда, а вот цирк, каким мы его знаем сейчас, появился только в
XVIII веке. Первым стационарным цирком, где регулярно проходили выступления артистов и дрессированных животных, стал построенный в 1772 году англичанином Филипом Астлеем амфитеатр в Великобритании. Вскоре был сконструирован складной шатёр в форме конуса или эллипса, названный шапито, – так появился передвижной цирк.
В
XVIII веке цирковые труппы стали собирать русские умельцы, а уже в 1873 году на территории страны появился первый стационарный цирк, основателями которого были братья Никитины.
В Краснодар в 1880 году приехала труппа – балаган с заезжими артистами. В 1908 было построено первое стационарное деревянное здание цирка на тысячу мест на углу современных улиц Гудимы и Мира. В последующие годы цирковые представления давали в городском парке.
В 1970 году состоялось открытие нового здания. На арене нашего цирка выступали народные артисты России: братья Запашные, Карандаш (М. Н. Румянцев), Олег Попов, Юрий Ермолаев, Игорь Кио и многие другие.
Подробнее узнать об истории цирка, известных артистах и профессиях в этой области можно из книг:

Никулин Ю. Цирк на Цветном / Юрий Никулин, Владимир Шахиджанян и др. – Москва : АСТ, 2017. – 400 с. : ил. – (Любимые книги).

Сорвина М. Цирк : от гладиаторских боев до цирка дю Солей : детская энциклопедия / Марианна Сорвина. – Москва : АСТ, 2018. – 96 с. : ил. – (Хочу всё знать!).

chekanka

chekanka 2

Чеканка (от тюркского "чекан" – "топор" или "молот") – вид декоративно-прикладного искусства, в котором мастера специальными инструментами выбивают рельефное изображение на листовом металле.

Такая техника применяется при создании посуды, декоративных панно, различных ювелирных изделий, скульптур и памятников, рам для зеркал, книжных переплётов и многого другого.

Для чеканных работ используют латунь, медь, алюминий, сталь, а в некоторых случаях золото и серебро. Виды чеканки различаются по технике обработке металлов: ажурная, контурная и объёмная.

Это декоративно-прикладное искусство имеет многовековую историю. Благодаря археологическим раскопкам было установлено, что в середине четвёртого тысячелетия до нашей эры мастерам древнейших цивилизаций Европы, Азии и Африки был знаком такой способ художественный обработки металла.

В течение многих веков искусство чеканки оставалось востребованным. Этому способствовала доступность материалов и необходимых инструментов, долговечность и великолепный внешний вид изготовленных предметов.

Чеканка, сделанная своими руками, станет прекрасным подарком или украшением вашего дома. Чтобы научиться создавать удивительные произведения искусства собственными силами, вы можете познакомиться со следующими книгами:  

Радаэлли Р. Искусство тиснения и чеканки : Материалы. Инструменты. Техники / Р. Радаэлли. – Москва : Арт-Родник, 2004. – 80 с. : цв. ил.

Энциклопедия изящных, декоративных и прикладных искусств : иллюстрированный справочник: как создавались шедевры / редактор А. Арбузов. – Москва : АСТ, 2009. – 304 с. : ил.

chelesta

chelesta 2

Самый "молодой" музыкальный инструмент носит удивительное название "челеста". С итальянского её название переводится как "небесная".

Челеста – клавишный ударный музыкальный инструмент, по технике игры и внешне напоминающий небольшое пианино. Она была изобретена французским мастером Огюстом Мюстелем в 1886 году, а впервые представлена на Всемирной выставке в Париже в 1889 году.

Звук в челесте извлекается молоточками, приводимыми в движение клавишами. Молоточки ударяют по стальным пластинкам, укреплённым на деревянных резонаторах.

Первым русским композитором, использовавшим инструмент в своих произведениях, стал Пётр Ильич Чайковский. В балете "Щелкунчик" под волшебный звон колокольчиков, которые будто хрустальные горошины падают на серебряное блюдо, фея Драже исполняет свой танец.

На сегодняшний день челеста является одним из популярных дополнительных инструментов симфонического оркестра. Также она используется в различных музыкальных направлениях, в том числе джазе и рок-музыке.

Наиболее яркий и запоминающийся пример использования челесты в современной музыке – популярный саундтрек к фильму "Гарри Поттер и философский камень" композитора Джона Уильямса "Hedwig’s theme".

Подробнее познакомиться с историей этого удивительного инструмента можно в книге:

Всеобщая история музыки / сост. А. Минакова, С. Минаков. – Москва : Эксмо, 2010. – 544 с. : ил. – (Всеобщая история).

А послушать чарующие мелодии Петра Ильича Чайковского, можно с помощью издания, дополненного QR-кодом с музыкой и интересными комментариями:

Хэммерле З.Щелкунчик : Балет-сказка Петра Ильича Чайковского / Зуза Хэммерле; художник Криста Унцнер; перевод с немецкого                     Е. Леенсон. – Москва : Контэнт, 2019. – 32 с. : цв. ил. – (Музыкальная классика для детей).

sharg01

sharg03

Шарж (фр. charge, charger – преувеличение) – разновидность карикатуры. Сатирическое или добродушно-юмористическое изображение (чаще портрет), в котором при соблюдении внешнего сходства изменены и выделены наиболее характерные черты модели. На шаржах могут быть изображены люди, животные и различные предметы. Эти рисунки беззлобны и вызывают у людей улыбки.
Существует несколько видов шаржей:
портретный – простой шарж без дополнительного фона, изображающий лицо героя до основания груди;
сюжетный – изображает главного героя в полный рост, а сюжет подразумевает историю, отображающую эпизод из жизни, хобби, профессию, увлечения или мечты;
романтичный (свадебный) – весёлый рисунок, где пара или дружная семья изображены в контексте забавного сюжета;
групповой – изображающий трёх и более героев. Может быть шуточным семейным портретом или корпоративным подарком.
В истории отечественной живописи есть известные художники-шаржисты: Борис Ефимов, Николай Радлов, творческий коллектив "Кукрыниксы" и другие.

Если вы мечтаете научится рисовать шаржи и карикатуры приходите в библиотеку за следующими изданиями:

Линлей М. Учимся рисовать людей, делать шаржи и карикатуры / М. Линлей. – Москва : АСТ : Астрель, 2008. – 127 с. : ил. – (Учимся…).

Энтрам Д. Школа рисования. Карикатура / Д. Энтрам. – Санкт-Петербург : Питер, 2018. – 32 с. : ил. – (Вы и ваш ребёнок).

shrift01

shrift02

Шрифт (нем. Schrift ← schreiben – писать) – графический рисунок начертаний букв, цифр, символов и знаков, составляющих единую стилистическую и композиционную систему. Все они были спроектированы для совместного применения. Также шрифтом называется комплект типографских литер, которые используют для набора текста.
Текст окружает нас везде: в интернете, школе, дома, на улице. Мы редко сознательно пристально рассматриваем шрифты, но именно они влияют на скорость чтения, а также на узнаваемость и запоминание бренда.
Оформление текста зачастую начинается с выбора шрифтов. Их можно разделить на пять групп: антиквы, гротески, брусковые, рукописные и декоративные. Все они имеют свои характеристики и подкатегории, которые важно соблюдать. Также существует особый шрифт – шрифт Брайля для слепых. Шрифты создаются художниками, которые в работе над ними основываются на замысле, требованиях единства стиля и графической композиции, конкретных смысловых и художественно-декоративных задачах, а также на прикладных задачах.

Узнать больше о шрифтах и даже самому обучиться искусству рисования букв, где каждая выступает в качестве иллюстрации, можно при помощи этих книг:

Брукфилд К. Письменность / Карен Брукфилд. – Москва : СЛОВО/SLOVO ; Лондон : Дорлинг Киндерсли, 2001. – 64 с. : ил. – (Очевидец. Обо всём на свете).

Ферраро К. Леттеринг. Экспресс-курс / К. Ферраро [и др.]. – Москва : АСТ, 2019. – 128 с. – (Полный курс рисования (черно-белая)).

shipec01

shipec02

shipec03

Щипе́ц – это островерхий фронтон, характерный для средневековой архитектуры Центральной и Северной Европы. В отличие от обычного треугольного фронтона он не отделяется горизонтальным карнизом, а является частью фасада.
Обычно щипцы были треугольными и украшались резьбой. В зависимости от стиля они имели разные художественные элементы и могли иметь другую форму. Так, в архитектуре барокко и маньеризма щипцы бывают ступенчатыми. Примечательно то, что в деревянном зодчестве аналогичная форма называется самцовым фронтоном. Самки́ – горизонтальные брёвна, одно короче другого, образующие на торцовом фасаде треугольник.
Будучи элементами классической архитектуры, фронтоны и щипцы в основном присутствовали на государственных и церковных зданиях. На сегодняшний день щипковую крышу можно встретить в постройках любого назначения: жилой дом, баня, производственное сооружение.
Больше узнать о фронтонах и щипцах, а также рассмотреть эти элементы в архитектуре прошлых лет можно, познакомившись со следующими изданиями:

Алдонина Р. История искусства в иллюстрациях / Р. Алдонина. – Москва : Белый город, 2017. – 72 с. : цв. ил. – (Культура и традиции).

Кильпе Т. Основы архитектуры / Т. Кильпе. – Москва : Высшая школа, 2002. – 159 с. : ил.

Популярная история архитектуры / авторы-сост. К. Ляхова, Г. Дятлева и др. – Москва : Вече, 2001. – 528 с. : ил.

shipkovie01

shipkovie02

Щипковые музыкальные инструменты – это разновидность струнных, у которых звукоизвлечение осуществляется защипыванием струн пальцами или медиатором.
Все щипковые инструменты делятся на два семейства – лютни и цитры. К первой группе относится большинство инструментов, они состоят из резонирующего корпуса и грифа. Во втором семействе не имеется грифа, и струны крепятся к корпусу, вдоль или поперёк. Также они различаются по количеству струн, диапазону звучания, интервалам между звуками открытых струн, форме корпуса и т. д.
К щипковым относятся: гитары, балалайки, цимбалы, домры, мандолины, гусли, арфа и многие другие. Примечательно, что в классификацию включаются и некоторые клавишные, например, клавесин, где струны приводятся в колебание щипком, закреплённого на толкачике (стержне).
Струнно-щипковые инструменты – сольные, часто даже любительские и популярны в фольклорных оркестрах, но редко встречаются в симфонических.
Предлагаем познакомится с каждым видом щипковых музыкальных инструментов в отдельности, узнать об истории и особенностях каждого при помощи книг:

Музыкальные инструменты мира : полная иллюстрированная энциклопедия : более 4 000 иллюстраций / пер. с англ. В. Е. Венюковой. – Москва : АСТ : Астрель, 2009. – 320 с. : ил.

Чэпмн Р. Гитара / Р. Чэпмэн. – Москва : АСТ : Астрель, 2005. – 240 с. : цв. ил. – (Полная энциклопедия).

expressionism01
expressionism02

Экспрессионизм (фр. expressionisme, от лат. expressio – выражение, выразительность) – литературно-художественное направление конца XIX – начала XX века. Как и многие другие течения в живописи, он возник как протест – в данном случае против того, что человек всё более удаляется от природы. Этот стиль был настолько популярен в живописи, что через время распространился и на другие виды искусства: архитектуру, живопись, театр, танец, кино, музыку, а ещё литературу.
Экспрессионизм имеет довольно широкое толкование, им обозначают совокупность разнообразных явлений, которые раскрывают тревожное мироощущение. Основным выразительным средством художников данного направления стала экспрессия, которая проявлялась в изменении пропорций, яркой цветовой гамме, напряжённости и глубоком подходе к картине, служащей средством выражения эмоций художника. Агрессивными, порой чрезмерными художественными средствами, мастера стремились отобразить свою эпоху, показать несовместимость реальности и мечты, а также воплотить внутренние движения души, а не явления внешнего мира. Яркими представителями экспрессионизма в живописи являются: Эдвард Мунк, Эгон Шиле, Василий Кандинский, Франц Марк и многие другие.
Познакомиться с биографиями и известными работами художников, создававшими свои полотна в данном стиле, помогут следующие издания:
Вольф Н. Экспрессионизм / Н. Вольф. – Москва : Арт-Родник, 2006. – 95 с. : цв. ил. – (Стили, течения и направления в искусстве).
Энциклопедия искусства
XX века / автор-сост. О. Краснова. – Москва : Олма-Пресс, 2002. – 352 с. : цв. ил.

etude01
etude02
etude03

Этюд (фр. étude – изучение, учение, разработка) – очень обширный термин, который в различных отраслях имеет собственное значение. Он встречается в литературе, изобразительном искусстве, музыке, театре и даже в шахматах.
В изобразительном искусстве так называют произведение, выполненное с натуры для изучения или предварительной разработки какого-то произведения.
В музыке – это небольшая инструментальная пьеса, которая основывается на повторении трудного приёма исполнения. Это нужно для отработки техники и усовершенствования уровня владения каким-либо инструментом.
В мире театрального искусства этюдом называют импровизационное упражнение для развития и совершенствования актёрской техники. Они могут быть разные по содержанию, стилистике и сложности. С их помощью начинающих артистов учат, как работать над собой, строить историю и взаимодействовать с партнёром.
Благодаря изданиям, которые можно найти в нашей библиотеке, вы можете попробовать свои силы художника, музыканта и актёра! Обязательно познакомьтесь с книгами:

Актерский тренинг по системе Станиславского : упражнения и этюды / сост. О. Лоза. – Москва : АСТ ; Санкт-Петербург : Прайм-Еврознак, 2009. – 192 с. – (Золотой фонд актерского мастерства).

Раз, два, три, четыре, пять! Начинаю я играть! : часть 2 : сборник пьес, этюдов и ансамблей для фортепиано / сост. Л. Захарова, Т. Донченко. – Ростов-на-Дону : Феникс, 2015. – 71 с. : ил. – (Учебные пособия для ДМШ).

Хюбнер Й. Городские пейзажи : скетчи и этюды месяц за месяцем / Й. Хюбнер. – Москва : Контэнт, 2018. – 128 с. : цв. ил.

uvelir

uvelir02

Ювелирное искусство (гол. Juwelier, лат. jocellum – драгоценность; нем. juwel или англ. jewel – драгоценный камень) – вид декоративно-прикладного искусства, в котором художник создаёт изделие из драгоценных материалов, применяя различные техники их обработки. В ювелирном деле могут быть использованы цветные металлы и их сплавы, полудрагоценные и поделочные камни. Человека, создающего такие изделия, называют ювелиром.
Ювелирное искусство известно с древних времён, когда такие изделия олицетворяли знатность и богатство их владельца или служили амулетами, призванными защищать хозяина.
Искусство менялось вместе с людьми, временем и художественными стилями. В каждом веке и стране были свои нюансы и техники изготовления ювелирных изделий и украшений. С середины
XIX века появились промышленные технологии, производство ювелирных изделий стало массовым и более доступным для потребителей за счёт использования менее дорогих материалов. А в XX веке, благодаря Коко Шанель появилась бижутерия, которую стали производить из новых освоенных материалов. Такие изделия стали доступны каждому, кто хочет украсить или дополнить свой образ украшениями.
Создание ювелирного произведения – это не только работа руками, но и интеллектуальный труд, творческий замысел. Поэтому "ювелир" относится к категории наиболее престижных творческих профессий, чьи секреты мастера тщательно хранят и бережно передают из поколения в поколение.
К числу самых известных мастеров ювелирного дела относится российский ювелир немецкого происхождения, основатель знаменитой династии мастеров Карл Фаберже. Его мастерская производила украшения, сервизы, бинокли, часы и многое другое, но прославились на весь мир пасхальными ювелирными яйца с механическим секретом, которые изготавливались раз в год для императорской семьи Романовых. Сегодня каждое изделие представляет собой большую художественную ценность.
Предлагаем познакомиться с историей ювелирного искусства в России и узнать о самых дорогих украшениях за всю историю человечества:

Колпакова О. Карл Фаберже и русские ювелиры / О. Колпакова. – Москва : Белый город, 2008. – 48 с. : цв. ил. – (История России).

Сингаевский В. Самые дорогие ювелирные украшения / В. Сингаевский. – Москва : Астрель ; Санкт-Петербург : Полигон, 2011. – 160 с. : цв. ил.

umoreska

umoreska02

Юмореска (нем. Humoreske, от нем. Humor – юмор) – произведение шутливого, юмористического характера. Термин употребим в литературе и музыке.
В музыкальном искусстве термин "юмореска" впервые применил Роберт Шуман в 1839 году к своей фортепианной пьесе ор. 20. В его понимании она соединяла мечтательность и лирику с шутливыми перекличками регистров и инструментов, которые создают фантастические, гротескные и причудливые образы. Позднее многие композиторы
XIX века применяли данный термин для обозначения как отдельной пьесы, так и серии небольших пьес. При этом они трактовали юмореску иначе. Эдвард Григ представлял её в форме жанровых зарисовок, в которых нашли отражение самобытные черты норвежской народной музыки. А в юморесках Антонина Дворжака ярко проявилось лирическое начало.
В русской музыке в таком жанре чаще всего встречаются плясовые черты и переклички инструментов. Такие произведения писали Пётр Чайковский, Сергей Рахманинов, Родион Щедрин и многие другие. Эту традицию продолжают и современные композиторы.
Предлагаем послушать произведения Шумана в исполнении Святослава Рихтера и попробовать самим сыграть юморески известных композиторов:

Юмореска : популярные произведения для фортепиано : Григ, Чайковский, Дворжак, Рахманинов / сост. В. Самарин. – Москва : Музыка, 2009. – 20 с. – Музыка (знаковая) : непосредственная.

Святослав Рихтер : Роберт Шуман : Фантастические пьесы : Юмореска : Новеллеты / С. Рихтер. – Москва : Мелодия, 2003. – 1 CD-ROM. – Загл. с титул. экрана. – Музыка (исполнительская) : аудио.

yantarnaykomnata

yantarnaykomnata1

Янтарная комната, или Янтарный кабинет, – шедевр искусства XVIII века, который исчез во время Великой Отечественной войны. Был создан немецкими мастерами Эрнстом Шахтом и Готтфридом Турау для прусского короля Фридриха I. Своё название комната получила из-за отделки, в которой преимущественно использовался янтарь.
Кабинет был подарен прусским королём Фридрихом Вильгельмом I императору Петру I. Елизавета Петровна разместила драгоценный подарок в Третьем Зимнем дворце, где с 1746 года Янтарная комната служила для официальных приёмов. В июле 1755 года она располагалась в Большом Царскосельском дворце.
В период Великой Отечественной войны при эвакуации музейных ценностей из-за хрупкости янтарных панелей произвели их консервацию. Но при захвате города Пушкина немцы отправили кабинет в Кёнигсбергский музей. Там, в дарственной книге под № 200, записано, что Янтарная комната подарена музею Германским государственным управлением дворцов и садов. Но с 1944 года следы шедевра теряются. При отступлении немецких войск панели были разобраны, упакованы и вывезены в неизвестном направлении. Поиски не дали результатов. В 1979 году было принято решение воссоздать янтарные панно, работы над которыми начались в 1983 году. Возрождение произведения искусства продолжалась 24 года, и к 300-летию Санкт-Петербурга Янтарная комната приняла первых посетителей. Кроме того, в 2000 году России были переданы фрагменты подлинной Янтарной комнаты: ларец, зеркало и мозаика "Осязание и Обоняние".

Предлагаем вам познакомиться с историей шедевра, узнать подробности воссоздания и рассмотреть иллюстрации:

Бурмистрова Л. Сокровища мира / Л. Бурмистрова, В. Мороз. – Москва : Астрель, 2003. – 47 с. : ил. – (Всё обо всём).

Овсянов П. Янтарная комната : возрождение шедевра / П. Овсянов. – Калининград : Янтарный сказ, 2002. – 112 с. : ил.

yarusnayperspectiva

yarusnayperspectiva01

Ярусная композиция – тип композиции в живописи, графике и рельефе, где пространственные отношения передаются расположением фигур и предметов ярусами – одних над другими.

В живописи такой подход представлен древнейшими образцами, которые представляют собой символические образы: верхний ярус – Небо, олицетворяемое птицами, средний – Земля, представляемая копытными животными, а нижний – Подземный мир, символизирующийся рыбами.

Подобная композиция преобладала и в готической живописи, особенно при создании алтарных картин, которые устанавливали в христианских и католических храмах.

Также ярусная композиция применяется в архитектуре, её учитывали уже с конца XVI века при строительстве усадебных церквей. Наиболее законченный памятник подобного типа – церковь Покрова в Филях (1693) в подмосковной усадьбе бояр Нарышкиных.

В жилых домах данный тип проявился в симметричных построениях с подчёркнутой центральной частью, например, дворец Голицына, палаты Волкова, а также на жилых домах, например, Крутицкий теремок – проходной павильон в усадьбе митрополита.

Познакомиться с картинами и архитектурными зданиями с ярусной экспозицией можно в следующих изданиях:

Мартиндейл Э. Готика / Э. Мартиндейл. – Москва : Слово, 2001. – 288 с. : ил. – (Большая библиотека "СЛОВА").

Москва : иллюстрированная энциклопедия / сост. Н. Астахова ; фот. А. Герасимов, С. Ефошкин, Е. Камынина [и др.]. – Москва : Белый город : Воскресный день, 2015. – 256 с. : цв. ил. – (История России).